Feliz Ano Velho - Marcelo Rubens Paiva

Cenário: Uma casa de subúrbio em algum ponto perdido de 1991, noite caindo, uma boa roda de papo rolando na casa escondida na cidade de Castanhal, distante 76 km da capital Belém, no estado do Pará, terra onde se tomava guaraná e não coca-cola como dizia a música.

Personagem Principal: Garoto meio gordinho, tímido com 12 anos, cursando a 7ª série do primeiro grau em um colégio de freiras, católico, fascinado por futebol e que desde pequeno fora habituado ao mundo da música e da literatura, seja ela um livro de Milan Kundera ou um simples disco da Legião, por causa das suas irmãs e amigos delas.

Personagem coadjuvante: O livro "Feliz Ano Velho" de um cara chamado Marcelo Rubens Paiva, na qual narrava as desventuras de um acidente que o deixara paraplégico, assim como todas suas inquietações e dúvidas passadas em um momento delicado da nossa história, que me foi entregue com a seguinte frase "Esse é o livro que vai mudar tua vida, garoto!"

Foi desse jeito que descobri "Feliz Ano Velho" meio na surpresa, meio na desconfiança. Confesso que não fiquei lá muito empolgado, me perguntava "O que esse cara tem para me apresentar que eu não conheça?", de acordo com a minha frágil e precoce posse besta de intelectual chato. Me achava o tal pois já tinha lido "Vidas sem rumo" de SE Hilton e "On The Road" do Jack Keroauc, entre outros, e não sabia o que esse livro podia me acrescentar. Mas acrescentou muito.

Foi pelo livro do Marcelo Rubens Paiva, que identifiquei algo de político em mim, é claro que já sabia um pouco das sacanagens que a ditadura cometeu com o povo, mas quando eu li a história do desaparecimento do Deputado Federal Rubens Paiva, pai do autor, aquilo mexeu comigo. Como todos os amigos das minhas irmãs eram do PT, logo ficou estipulado que eu também seria e brigaria por um país melhor, sendo que essa idéia só teve um sério abalo quase 14 anos depois, no meio do governo Lula.

Foi quando eu percebi que a rebeldia que eu tanto adorava e sonhava, às vezes podia vir de outra forma, podia ser uma rebeldia própria, contra o mundo e as limitações que ele lhe impõe e não somente contra nada em particular. Quando lia o livro imaginava qual o sentido que Deus havia de ter para deixar um jovem com tanto talento, paraplégico de forma tão boba e quando o autor bradava no livro seus desesperos, eu silenciosamente repetia na minha cama "É isso ái!! Tô contigo!! Só tem filho da puta nesse mundo!!".

Lembro ainda que nessa época cheguei a reler muito esse livro e apesar de não ter acontecido como a profecia de que ia mudar minha vida, me tocou de uma maneira diferente, por um outro lado, de que a tragédia e as coisas difíceis também acontecem aos jovens, por mais besta que seja e que é preciso ter força para seguir em frente e principalmente não nos tornarmos imbecis. Era essa a lição que eu tirava.

Conforme o tempo vai passando, esse livro ficou para trás assim como tantos outros e os sonhos dessa época foram transformados em novos sonhos possíveis, como em um eterno balé de camaleões. Eis que semana passada comprando os presentes de natal, encontro 14 anos depois o tal livro na prateleira. É lógico que comprei. E vorazmente me conduzi para a sua leitura.

Evidente que hoje, anos depois e com alguns fracassos e decepções espalhados no caminho, as percepções são totalmente diferentes. Mas o essencial continua lá. Não seria clichê dizer que o livro hoje ainda continua fundamental ou talvez isso seja pretensão demais, mas sua leitura continua tão saborosa e contestadora quanto antes.

Marcelo Rubens Paiva contou sua vida, expôs suas duvidas, seus sentimentos, que eram os mesmos de toda uma geração, que brigava por um mundo melhor, mas que não deixava nunca de lado a diversão, o amor, as brincadeiras, a alegria. Na teia de "personagens", impossível ficar indiferente ainda hoje pelo brio da mãe do cara, pela sexualidade da Nana, pelo companheirismo do Neguinho ou pelas rodas de violão da turna e suas aventuras. 

O seguir em frente do livro, cheia de prosa direta, sem frescuras, mostrando e escancarando a cara ou às vezes até a bunda de uma nação, ainda tem seu charme. O humor sarcástico desenvolvido nos piores momentos, ainda tem espaço hoje nas coisas que falo, e vez ou outra recebo o comentário do "Não devias brincar com isso!". Mas é claro que devemos brincar, de toda tragédia tirar sua graça,e seguir em frente  nunca com a cara amarrada e sim com um bom sorriso, amor no coração e alguma sacanagem no olhar.

King Kong

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Sinceramente eu não tava a fim de ver “King Kong”, sei lá, quando saísse em DVD, dava uma espiada, mas não tava com muito tesão de ir para o cinema conferir a nova refilmagem do Gorilão, que faz de tudo por um amor e que virou um ícone pop. Acho que clássicos não devem ser mexidos e na maioria das vezes o remake sai bem pior que o original. Ok, tá certo que dessa vez era um remake de responsa, pois ficou nas mãos do diretor Peter Jackson, o mesmo que mostrou ao mundo que pode se unir fantasia, bilheteria e arte quando contou a trilogia de um certo anel. Jackson sempre quis essa refilmagem, pois segundo ele, foi o original de 1933 que o levou a decidir fazer cinema. Ponto para ele então. Mas mesmo assim só fui ao cinema, pois tava perto e tava começando uma sessão. Jackson convidou uma grande equipe, colocou Naomi Watts de “21 Gramas” para viver a atriz e paixão de Kong, Ann Darrow, Adrien Brody de “O Pianista” como o roteirista Jack Driscoll e Jack Black de “Alta Fidelidade” no papel do insano e obcecado diretor Carl Denham que faz de tudo para se mandar para a Ilha da Caveira, gravar seu filme que é a última saída para seus consecutivos fracassos. Daí o resto da história acho que todo mundo sabe, eles encontram um mundo primitivo, brigam pra burro, Kong se apaixona por Ann, é aprisionado, levado para Nova York, onde termina o filme em cima do Empire State. Primeiro os méritos de Jackson. A paixão com que o filme se desenvolve realmente impressiona. Os efeitos especiais e a produção sonora estão impecáveis, nota 10 com louvor para a parte técnica. O Kong foi muito mais realista e fiel aos seus ancestrais símios por assim dizer. O filme se passa no mesmo ano do original, ou seja, em 1933, sendo que a reconstituição de época ficou exemplar, digna de parabéns. Até a grave depressão que o mundo vivia depois da Crise de 29 (lembram da aula de história?) está bem retratada, vinculando bem o desespero do período e até mesmo justificando alguns atos. As cenas de ação são muito mais bem feitas (é lógico também né!) e deixam o telespectador na melhor parte do filme, que é quando estão na selva descobrindo esse novo mundo, no meio de um triller de terror e suspense, regado a muita aventura. As locações também são até um pouco surreais, Jackson utilizou de novo sua amada Nova Zelândia, escolha que foi mais do acertada dentro do resultado final. Adrien Brody como uma espécie de anti-herói se saiu muito bem. Dito isso, vamos as inúmeras falhas da película do Sr. Jackson. Jack Black no papel de Carl Denham até que acerta às vezes, mas na maioria seus braços, gestos e sobrancelhas, não dão a dimensão necessária, sendo um caricato de si mesmo como nos piores momentos de Jim Carrey. Naomi Watts não convence com Ann Darrow, apesar de ser linda, não me parece ser o tipo de mulher que faria um gorilão perder a cabeça, sem contar o enredo que faz em determinado momento do filme parecer que ela quer levar Kong para casa, ter um monte de Kongzinhos e ser felizes para sempre, simplesmente não dá, a mulher ta um xarope só. A briga de Kong com os T. Rex é simplesmente fantástica, isso não dá para negar, agora que em certas horas ele parece o Neo de Matrix, ah, isso parece. O passeio que Kong faz com Ann em pleno gelo, dançando como em um balé é no mínimo, insuperável em termos de besteirol dentro dos últimos anos de cinema. A Ilha da Caveira parece uma mistura da cidade de Itu (onde tudo é grande) com A Fantástica Ilha do Dr. Moreau, onde toda desgraça pouca é bobagem, ficando até divertido de tão azarados que parecem os personagens. No mais, não se preocupem. Tem a cena do Empire State, Kong batendo no peito, nativos na Ilha da Caveira e tudo que se tem direito. Sinceramente? Essa refilmagem só vale mesmo para Peter Jackson satisfazer seu ego (e hoje ele pode) e encher mais a conta bancária dos envolvidos, pois a original apesar de tosca, continua essencial. Ah, vale ir para o cinema? Hum.....sei lá, vá lá, vá..

"E hoje o dia da alegria e a tristeza..."

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25 de dezembro de 2005. Quase um ano de blog e ainda não sei o que fazer com ele, estranho? Para mim isso é absolutamente normal, dentro das minhas percepções. Hoje é Natal. Apesar da leve melancolia, gosto da data. Dia normal, tranqüilo, passei o dia em casa lendo, vendo tv, ouvindo musica, dormindo. Não necessariamente nessa ordem. Ontem teve a ceia em casa, depois fui para uma festa de amigo invisível com amigos, nada demais, tudo na paz, tomei umas cervas, poucas na verdade. Esses dias têm servido mesmo é para me deixar descansado, principalmente diminuir o ritmo do corpo, que tava precisando mais do que as habituais seis, sete horas de sono. Dia começando, família chegando, em casa sempre tem parte da família no dia 25, virou meio que rotina, todas minhas tias, primas e primos que passo boa parte do ano sem ver, reencontro nessa data, o natal deve ser isso também eu acho, reencontro. Se bem que nesse ano a maioria não veio. No mais tudo indo, a mãe fazendo comida, as manas limpando a casa, a doce rotina de um lar, como preciso disso, para me tirar um pouco do corre corre e pressões do dia a dia. Entre telefonemas de feliz natal, nada melhor para começar do que o DVD do Erasmo no talo, todos cantando juntos, enquanto o tremendao emenda antigas e novas como a bela “Sou mais um na multidão”, depois nada melhor que dar uma agitada, ganhei um DVD chamado “Time Capsule 1982-1993” do 10.000 Maniacs, fase da Natalie Merchant, pows...como isso é bom, tinha me esquecido daquela voz maravilhosa e de canções como “Candy Everbody Wants” e “These Are Days”, boas recordações invadem a mente. Depois minha irmã coloca o “MTV Especial – Aborto Elétrico” do Capital Inicial, nada demais, mas é natal, então canto junto. Hora do almoço. Lasanha, peru, salada, farofa, tudo que se tem direito, para o merecido sono da tarde, acordando com uma priminha quebrando tudo, como é bom à inconseqüência das crianças, podes crer. Mais alguns filmes na tv, como “Simplesmente Amor”, “Aconteceu no Natal”, alguns desenhos ao lado do meu sobrinho e o dia vai passando entre uma castanha e outra e um abraço aqui, acolá. Dou um tempo e começo a reler “Feliz Ano Velho” do Marcelo Rubens Paiva que comprei a alguns poucos dias, esse livro que tanto me fez a cabeça na adolescência desce um pouco diferente depois de tantos anos, mas ainda continua cativante. Fecho a noite com “Cidade dos Anjos” a versão que Hollywood fez para “Asas do Desejo” do mestre Win Wenders. O filme é legalzinho, o que me faz ate ter uma certa lembrança de amores e vidas passadas, que ainda bem não chegam a perturbar muito. Sabe aqueles caras que não acreditam mais no amor? Muito prazer, eu sou um deles. Enfim, mais um pouco de sono, não antes de um forte abraço na minha mãe, obrigado por existir sempre minha velha. E que venha o ano novo. Paz. ;)

Má Educação

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Andei revendo tambem o ultimo filme do diretor espanhol Pedro Almodóvar, "Má Educação(La Mala Educacion)". Almodóvar é um dos maiores diretores do cinema atual, fez entre outros "Tudo sobre Minha Mãe", "Carne Trêmula", "Mulheres a beira de Atauqe de Nervos" e "Fale com Ela". Muitas expectativas cercavam esse seu lançamento, principalmente por suas declarações que seria uma especie de auto biografia e pelo fato de Gael Garcia Bernal representar um travesti.

O enredo basicamente (é dificil resumir toda o obra) trata de Ignacio (Gael Garcia Bernal), que quando criança estudou em um colégio interno católico. Lá ele sofreu abusos sexuais por parte de seu professor de Literatura, o padre Manolo (Daniel Gimenez Cacho), que marcaram sua vida para sempre. Ignacio se apaixona por um colega do colégio, Enrique (Fele Martínez), que termina sendo expulso. Vinte anos mais tarde, Ignacio é agora um travesti chamado Zahara. Ele reencontra Enrique, com quem relembra várias histórias do passado de ambos no colégio.

O filme é repleto de referências. Em dado momento, dois personagens decidem matar o tempo depois de um assassinato e entram num cinema...que exibe uma mostra de filmes noir. (No caso, duas jóias do noir francês, “A Besta Humana”, de Renoir, e “Thérèse Raquin”, de Marcel Camé).

Na narrativa Almodóvar usa todo seu habitual talento para envolver o espectador em uma teia entre realidade, ficção, passado e presente. Gael Garcia Bernal com sua atuação, demonstra de uma vez por todas sua versatilidade e o excelente ator que se transformou.

Teve muito critico dizendo por aí que o filme não é tão bom assim, pura ranhice. O filme é sim muito bom e se não pode ser comparado com "Mulheres a ...", consiste no filme mais sincero do diretor e por isso o mais emocionante, além de ser um chute na hipocrisia da sociedade em geral e na própia igreja.

As Bicicletas de Belleville

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Andei revendo a animaçao francesa "As Bicicletas de Belleville". O filme foi indicado ao Oscar de "Melhor Filme de Animação" e "Melhor Canção Original", além de ter feito parte da seleção oficial de Cannes e ser indicado ao Bafta de "Melhor Filme Estrangeiro".

O enredo reside em Champion, um menino solitário e tristonho que mora com sua avó, que tenta de todas as formas faze-lo feliz, no entanto só consegue quando descobre o gosto do garoto por bicicletas e lhe dá uma de presente. Dai em diante, sobre um rigoroso treinamento comandado por sua avó, Champion se torna um atleta de verdade, participando inclusive do "Tour de France". É quando ele é raptado, para atender interesses nada humanitários da Máfia de Belleville, e para lá é levado.

Sua avó, com a ajuda do seu cachorro Bruno e das três cantoras de cabaré de Belleville, parte para a missão de salvá-lo. Esse filme é muito bom. É como se o Tim Burton tivesse dirigido. Há personagens de um universo totalmente incrivel como nos filmes de Burton. A máfia, a avó manca, o cachorro gordo, as cantoras e por aí vai.

A cidade de Belleville é uma mistura de Paris e Nova York. Tendo sido retratada perfeitamente pela direção de arte. Um filme que emociona e diverte ao mesmo tempo. Dirigido e Roteirizado por Sylvain Chomet. O DVD ainda traz um pequeno Making Of de 15 minutos que vale a pena ver, para entender melhor o processo de criação.

Bicho de Sete Cabeças

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Essa semana eu estava revendo “Bicho de Sete Cabeças” em DVD e cada vez que isso acontece percebemos o quão é fundamental esse filme. Baseado em fatos reais e que foi premiadíssimo em festivais da Itália, França e Suíça, o filme conta com uma grande atuação de Rodrigo Santoro (assim como em “Abril Despedaçado”), despachando de vez a historia que era apenas mais um rostinho bonito e com a excelente direção da estreante Laís Bodanski. É um verdadeiro tiro na cara da hipocrisia da nossa sociedade, um verdadeiro assassinato a demagogia que ainda toma conta do pensamento em geral.

Rodrigo, vive Neto um adolescente normal , que vive em Santos e que como outros da sua idade comete alguns pequenos delitos, nada grave demais, como usar brincos, pichar muros e fumar um cigarro de maconha de vez em quando. Isso é o bastante para que a sua família o interne em um manicômio, o que mudará sua vida pra sempre.

Não que concordemos que pichar muros seja bacana, pelo contrario achamos um completo desperdício de tempo, e nem que digamos que usar Drogas não faz mal, é claro que faz, mas existem outras drogas que também matam muito mais e são consumidas sem restrição alguma ,como o álcool. O que nos deixa indignados é um jovem que fuma um cigarro de maconha ser considerado louco, nocivo a sociedade ou coisas do tipo, essa hipocrisia sinceramente é demais. Já está provado que o diálogo em família, é a melhor saída nesses casos, que rende melhores frutos do que acabar com a vida de uma pessoa assim.

Depois que é internado e começa a sofrer tratamentos de choque e tomar mil e um remédios, Neto realmente enlouquece e passa a não ter mais vontades, não ter mais discernimento sobre as coisas e vê sua vida cada vez mais sentido e sem razão de existir. Filmaço pra você refletir bastante, pensar bem a respeito de alguns conceitos. Além de tudo o filme ainda conta com a trilha sonora competentissima do Arnaldo Antunes ( já pensou alguém melhor pra esse filme? ).

Clube da Esquina

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Oriundo de Minas Gerais, o Clube da Esquina foi um dos grandes movimentos musicais brasileiros, tendo sua importância no mesmo patamar da Bossa Nova e da Tropicália. Movimento que fundiu culturas, abriu horizontes, pavimentou ideologias e se fez relevante até os dias de hoje pelo mundo afora. Tudo começou mais ou menos pelos idos de 1963, quando um certo Milton Nascimento chegou da cidade de Três Pontas e foi morar em Belo Horizonte, no mesmo prédio que os irmãos Borges moravam. Fez amizade com Márcio Borges, seu parceiro de vida e de tantas canções e com o mais novo dos irmãos (eram doze ao todo), um garotinho de talento chamado Lô Borges. Os ensaios eram sempre realizados na casa dos Borges, moldando uma forte amizade que se tornaria fundamental e agregando ainda outros jovens músicos como Toninho Horta e Beto Guedes, que seriam mais ou menos o núcleo central do clube. Influenciados pela música negra, brasileira, jazz e principalmente pela mais recém descoberta, uma banda inglesa chamada The Beatles (conhecem?), moldaram um som único de uma beleza visceral. Milton se revelava como o grande músico do grupo que cada vez crescia mais, agregando nomes como Flavio Venturini, Ronaldo Bastos, Fernando Brant e Tavinho Moura. Eram tempos difíceis, a ditadura instalada no país depois do golpe de 1964, se ainda não era escancarada já anunciava seus primeiros sinais de repressão e de censura, esboçando todo o drama que a liberdade de expressão e a cidadania do país sofreriam do decorrer dos anos. No entanto, faltava a esse grupo ser batizado, essa reunião precisava ser identificada por um nome e eis que na esquina da Rua Divinópolis com a Rua Paraisópolis no bairro de Santa Teresa, em uma tarde bucólica, foi fundado o Clube da Esquina. Em 1972, entraram em estúdio juntos para gravar “Clube da Esquina”, que tinha na capa apenas um menino branco junto com um negro sentados na capa, já antecipando o que poderia se esperar. São desse álbum canções como “Tudo que você poderia ser” (Um anti-hino contra a ditadura), “O Trem azul”, “Um girassol da cor de seu cabelo” e “Nada será como antes”. Os músicos lançaram-se em carreiras solo, mas em 1978, Milton que já gozava de prestígio (vide “Travessia”) lançava o duplo “Clube da Esquina 2”, reunindo a velha turma e novos integrantes, com canções do porte de “Maria, Maria”, “Nascente” e “Tanto”. Por mais que o grupo nunca mais se reunisse totalmente, eles nunca deixaram de participar dos discos uns dos outros. O Clube da Esquina deixou um legado fundamental para a nossa música, um legado de criatividade e beleza, um legado de como se fazer boa música. Não é a toa que sua influência está evidente hoje em trabalhos de bandas do porte de Skank e Los Hermanos. Discos fundamentais: 1967- Travessia – Milton Nascimento. 1972- Clube da Esquina – Milton Nascimento, Lô Borges, entre outros. 1972- Lô Borges – Lô Borges. 1978- Clube da Esquina 2 – Milton Nascimento, Beto Guedes, Lô Borges, entre outros. 1978- Amor de Índio – Beto Guedes. Para maiores informações sobre o assunto é sempre bom ler o livro escrito pelo Márcio Borges, “Os sonhos não envelhecem – Histórias do Clube da Esquina”, que estava no olho do furacão, uma verdadeira aula de história, recheado de grandes e pitorescos momentos.

Ou acesse o site: http://www.museuclubedaesquina.org.br, onde existem informações mil.

Cidade Baixa

Cidade Baixa, originally uploaded by Kalnaab.

O amor existe. E verdade. Agora, assim como todos os sentimentos do mundo, ele pode ser belo, maravilhoso, mas ao mesmo tempo pode ser sujo, feio, traidor, e nem por isso ser menos sincero. Talvez seja essa a premissa que o diretor baiano Sergio Machado tente passar com seu novo filme. Contar uma historia de amor, sem muitos melodramas, cenas bonitas e sim recheadas de desejo e tesão. Contar uma historia de amor que acontece diariamente nos guetos desse enorme pais e suas metrópoles. “Cidade Baixa”, lançado agora nos cinemas reflete tudo isso. Rodado em Salvador, nas suas favelas e subúrbios sujos, Sergio Machado apresenta como pano de fundo da sua historia o poço sem fundo em que boa parte do povo foi parar, um lugar sem muita chance, repleto de prostituição, roubos, mentiras, drogas e tudo mais. Ao mesmo tempo ele nos faz perceber que na verdade, tudo isso esta em todo lugar, não tão longe assim, só que no caso de seus personagens a glorificação e uma situação que passa a quilômetros de distancia. Contando com a ajuda do cineasta e roteirista Karim Ainouz (“Madame Sata”,) calcado nas atuações do seu trio de protagonistas, Sergio Machado fez de uma historia universal de amor e amizade, um conto de um cotidiano real e visceral. De longe, podemos traçar um paralelo com o clássico “Jules e Jim” do mestre François Truffaut, tendo em vista o seu triangulo amoroso. No filme, Vagner Moura, impecável e versátil como sempre, vive Naldinho, amigo de infância e parceiro de “negócios” de Deco (um soberbo trabalho de Lazaro Ramos) no barco que possuem e onde ganham a vida fazendo fretes. Em uma de suas viagens eles conhecem Karinna (a surpreendente Alice Braga), uma stripper que vai a Salvador a fim de descolar um gringo rico no carnaval. Os dois resolvem leva-la que como pagamento tem que transar com eles. Após isso e de uma quase tragédia a moça se envolve cada vez mais com os dois, não sabendo ao certo de quem gosta mais, mesmo sem abandonar seu ganha pão na casa noturna onde dança e se prostitui. Enquanto isso a relação dos eternos amigos, vai enfraquecendo ate o limite de toda a razão dos dois. Sendo o desejo mais forte que a sua consciência, o diretor Sergio Machado, navega em um clima forte, com cenas de sexo que se não chegam a ser explicitas, mostram de forma seca o relacionamento entre os três, baseados principalmente em: “Desejo, necessidade e vontade...” como cantariam os Titãs, ou seja, sexo. Apesar de toda essa mascara montada e do pano de fundo utilizado, na verdade o que resiste basicamente e a paixão entre uma das mais eternas brigas do ser humano, o limiar entre amor e amizade.

Tudo Acontece em Elizabethtown

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Quase não escrevo essa coluna, sei lá porquê, mas a verdade é que acho que o filme que quero comentar me atingiu de uma forma tão peculiar, que acabei por não querer escrever apenas algumas linhas mal traçadas. Já faz um tempo que assisti “Elizabethtown”(o “Tudo Acontece Em” é por conta dos cinemas brazucas) do diretor Cameron Crowe. Crowe fez filmes como “Jerry Maguire”, “Singles – Vida de Solteiro” e “Quase Famosos” e em seus longas já ficou instituído como marcas, a grande preocupação com a trilha sonora e a participação da música na vida das pessoas, além de seus romances que para terminarem no “felizes para sempre”, passam por situações até as vezes irreais. Há de considerar-se também a constante presença da derrota, do fracasso na vida dos seus personagens, e a suposta volta por cima. Dito isso, Crowe mantém a sua mão como autor em seu novo longa. Orlando Bloom (livre de espadas e armas de todo o tipo) é Drew Baylor, um cara que passou oito anos trabalhando em uma grande empresa no design de um super tênis, que na verdade se revela um grande fracasso, levando o seu nome ao ridículo e a empresa a quase falência. A única saída possível para sua vida (na sua concepção) seria o suicídio, que quando está para ser realizado é cortado por uma ligação da sua irmã, dizendo que seu pai faleceu e que ele tem que voltar a cidade natal, a distante “Elizabethtown” do título, para cuidar do enterro. Em sua viagem, Drew conhece uma divertida e falante aeromoça, Claire Colburn (a sempre competente Kirsten Dunst), que repassa a ele um mapa para a pequena cidade e também o seu telefone (lógico!). Ao chegar na cidade, Drew se vê agraciado por todos, que adoravam seu pai e que já está toda preparada para o enterro do mesmo. Dentre essa confusão danada, Drew liga para quem, para quem?? Claro. Liga para Claire e começa o romance do filme. Ao longo disso Crowe dispõe todo seu arsenal sonoro, que vai de U2 e Simple Minds, passando por Neil Diamond, Tom Petty e Ryan Adams. Trilha mais do que perfeita e plenamente recomendada. O diretor também expõe a tradicional cultura americana, através dos personagens da cidade, do casamento que acontecerá no hotel. Para Crowe tudo é motivo para uma boa tirada. Não pense que um filme é um melodrama danado, apesar de ter esses momentos. O romance transforma-se em um autêntico road-movie, traçando uma história de redenção, redescoberta e mudança de prioridades no mundo, que precisa sempre ser algo novo. É um filme em que o fracasso, se torna uma coisa cotidiana, na qual todos estamos induzidos a ter um dia, em que a solidão e a tristeza estão presentes, mas não muito distantes da alegria e da felicidade. Crowe não fez um filme que vá mudar o mundo, fez sim um longa capaz de fazer o telespectador pensar para onde está caminhando com sua vida, um filme com a marca “Cameron Crowe” de qualidade, o que é sempre relevante e vale bastante o ingresso.

Quase Dois Irmãos

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Chegou nas locadoras, o filme brasileiro “Quase Dois Irmãos” da diretora Lúcia Murat (de “Brava Gente Brasileira”) e com roteiro dela e de Paulo Lins. A trilha sonora ficou a cargo do grande Naná Vasconcelos e conta com um elenco muito bem entrosado. Um grande exemplo de como o nosso cinema vem sabendo usar o nosso passado para contar as suas histórias. Nos dias atuais, Miguel (Werner Shunemman) é um senador da República que vai ao encontro de um antigo amigo, Jorginho (Antônio Pompeo) que é um poderoso traficante do Rio de Janeiro e que está preso, a fim de propor um projeto social nas favelas, que para tanto precisa de ajuda. A partir daí a história é contada desde os anos 50, onde os dois ainda meninos se conhecem, apesar do pai de Miguel ser um jornalista de classe alta e o pai de Jorginho, um sambista (interpretado por um Luiz Melodia muito à vontade), desaguando nos anos 70, em pleno regime militar na penitenciária de Ilha Grande no Rio, onde a Lei de Segurança Nacional levava parte de seus presos, fossem eles políticos ou não, sendo que é nesse cenário que os dois amigos se reencontram, Miguel (Caco Ciocler), um idealista e Jorginho (o excelente Flávio Bauraqui). Desse ponto em diante a diretora consegue traçar um parâmetro muito fiel da nossa realidade, com interpretações concisas e um roteiro bem amarrado, com boas tramas paralelas (como a da filha de Miguel que se envolve com um traficante e as brigas de poder no morro), interligadas entre si, constatando os caminhos que nos levaram mais ou menos para o buraco em que o país se encontra socialmente. Premiadíssimo por aí fora, o filme ainda está repleto de bons sambas, como Luiz Melodia cantando “Quem me vê sorrindo” do mestre Cartola e Carlos Cachaça: “Quem me vê sorrindo/pensa que estou alegre/o meu sorriso é por consolação/porque sei conter pra ninguém ver/o pranto do meu coração...”. Muito bem sacado.

MTV Especial Aborto Elétrico - Capital Inicial

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Depois de anos, falando, especulando, o Capital Inicial finalmente lançou o tão prometido disco em homenagem ao Aborto Elétrico, banda que foi fundamental no ínicio do Rock de Brasília e que tinha os irmão Flávio e Fê Lemos do Capital e um jovem chamado Renato Russo, que depois criou a maior banda da história do Brasil, a Legião Urbana. O disco “MTV Especial Aborto Elétrico” ganhou o selo da emissora, o que indica uma chance de comercialização bem grande, o que na verdade encaro até de bom grado, pelo simples fato de poder se conhecer um pouco mais da história de um movimento que mudou nossa juventude e fundamentou um ídolo sem precedentes. Das dezoito músicas contidas no disco, apenas nove são realmente "novas", sendo que o problema reside basicamente nas regravações. As versões de “Tédio (com um T bem grande pra você” e "Fátima", até que são corretinhas, mas “Geração Coca-Cola”, “Que País é este?”, “Química” e “Conexão Amazônica”, não alcançam nem um décimo do poder que tinham com o vocal do Renato. Pobre Dinho, a intenção é muito boa, mas não dá para comparar. Até “Música Urbana” regravada pelo Capital, perde muito. A melhor parte fica por conta das digamos assim, “inéditas”. Destaques para a ótima “Heroína”, o refrãozinho bacana de “Love Song One”, “Baader Meinhof Blues No. 1", que nada tem a ver com a música que a Legião gravou, “Submissa”, mais punk impossível e “Construção Civil”, que a frase de inicio é mesma contida em “Riding Song” do disco póstumo da Legião, “Uma Outra Estação”, “...o que você vai ser quando você crescer”. Destaques maiores para a guitarra ao fundo, enquanto Dinho canta “Anúncios de Refrigerantes”, ou para os despejos verbais de “Despertar dos Mortos”, citando um mundo que existiu um dia. Grande virtude da maioria das canções é que mesmo hoje tanto tempo depois, percebe-se que pouca coisa mudou nesse nosso país infelizmente. Um disco que merece ser escutado por todos que viveram os anos 80 e sempre se interessaram por essa parte da história. O resultado poderia ter ficado bem melhor se tivesse mais um pouco de ousadia e a produção não tivesse ficado tão limpa, o que às vezes deixa o disco um pouco sem sal, mas mesmo assim vale a pena botar no cd player para rolar e voltar um pouco no tempo.

Revolver - The Beatles - 1966

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Que os Beatles foram os maiores da historia, isso e aquilo, você já deve ter escutado milhões de vezes. E vez ou outra também você já deve ter se perguntado “Será que eles são tudo isso mesmo?” “Será que há motivo pra tanta reverência assim ?” Escute “Revolver” e perceba que eles realmente mereciam ser chamados de “Fab Four”. Na nossa opinião esse disco de 1966 é o melhor da carreira da banda, uma tarefa difícil escolher, para quem gravou álbuns como “Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band”, “White Álbum”, “Beatles for Sale”, “Help”, “Rubber Soul”, entre outros. Nesse disco os Beatles que já eram um fenômeno, enlouquecendo platéias pelo mundo, resolveram abusar do experimentalismo, misturando, jazz, folk, musica indiana, blues, motown, música erudita, orquestrações, novas técnicas de estúdio, letras mais elaboradas e acabaram cometendo um disco para influenciar gerações. Vamos a um rápido passo a passo : Taxman = Composição de George, abre o disco, com um rock n´ roll meio nonsense, com músicos indianos tocando junto com eles, com direito a Paul tocando guitarra e tudo. Eleanor Rigby = Belíssima canção de Paul, com os vocais sobrepostos dele e de Harrison, cheia de orquestrações conduzidas pelo produtor George Martin, ambientam o universo de solidão de forma perfeita. I´m only Sleeping = Cantando por John, a música tem um ritmo meio lento, sendo que Harrison toca o solo de trás pra frente. Love You To = Um toque meio indiano, por culpa da citara tocada por Harrison, conduz essa canção que fala de reflexão, de mudanças, cantada por Jonh. Here, There and Everywhere = Uma balada mais do que perfeita composta por Paul, com arranjos complexos e harmonias distintas entre si. Até hoje Paul toca essa música em seus shows. Yellow Submarine = O momento de “descontração” do disco, inspirada em meio a muitas sessões “médicas” do disco, a musica é perfeitinha que só, cantada pelo Ringo, e contando com o coro de quase todos do estúdio. She Said, She Said = Feita em mais uma das “viagens” de Jonh, conta um verso maravilhoso ; “...Eu sei o que é estar morto....”,que tal? Good Day Sunshine = Com influências de jazz, essa canção foi a primeira incursão dos Beatles ao estéreo. And Your Bird Can Sing = Com vocais dobrados, mixagens ao contrário de George, essa música é uma das mais experimentais do álbum. For no One = Simplesmente uma das melhores canções compostas em todos os tempos. Feita por Paul (um grande mestre em melodias), completamente erudita e barroca, com direito a piano tocado por Paul e tudo, belíssima. Dr. Robert = O doutor do titulo dessa canção, era nada mais do que o cara que arrumava as coisas para Lennon, muito bem sacada. I Want to tell you = Nessa música tem ate pandeiro, bem romântica, fala do desejo de se ter a pessoa amada. Got to Get you Into My life = Composta por Paul, com naipe de metais vibrando, influências do som black da Motown, os Beatles demonstram toda sua versatilidade, nesse “soul de branco”. Uma de nossas prediletas. Tomorrow Never Knows = A canção mais psicodélica fecha o disco com chave de ouro. Experimentações mil, coro, letras inspiradas em Timothy Leary (Guru dos anos 60), Jonh cantando por um alto falante, fazem dessa música um clássico absoluto. Para quem ainda não escutou esse disco, não deixe que ninguém descubra esse crime e escute logo e para quem acha que os Beatles foram só quatro caras que só cantavam músicas bobas, cheias de “yeah, yeah”, ouça esse disco e mude urgentemente seus conceitos. Discoteca cem vezes básica.

Harry Potter e o Cálice de Fogo

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As crianças e adolescentes estão em polvorosa, estreou nos cinemas nesta última semana, o novo filme do aprendiz de bruxo Harry Potter, “Harry Potter e o Cálice de Fogo”, quarta aventura do mesmo na grande tela. Antes que alguém possa bradar com suas bandeiras dizendo que isso não tem nada a ver com Cultura, leve-se em consideração esse fenômeno que já atingiu milhões de fãs no mundo todo, gerando toda uma rede de produtos em torno dele. Cultura não é somente aquilo que é tradicional ou regional e sim tudo que invade a vida das pessoas. Dito isso, vamos ao filme que fomos conferir na sua estréia. Todo mundo anda falando que este filme é o melhor de todos, o que é plenamente verdade. O tarimbado diretor inglês Mike Newell (“Quatro Casamentos e um Funeral” e “O Sorriso de Mona Lisa”) manteve o crescimento da série, anunciado no bom longa anterior “Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban”, dirigido pelo mexicano Alfonso Cuáron, que já indicava um clima mais soturno na trama. Em mais um ano em Hogwarts, Potter (Daniel Radcliffe) se vê em meio a difíceis desafios, pois além de combater Lorde Voldemort (um brilhante Ralph Fiennes), que volta do reino dos mortos, ainda tem que participar de um torneio e lidar com as dúvidas normais de sua adolescência. O filme começa com a final mundial de quadribol, assistido por Potter e seus habituais parceiros Rony Weasley (Rupert Grint) e Hermione Granger (Emma Watson), sendo que após o grande evento, há um ataque dos Comensais da Morte, antigos comparsas de Voldemort, arrasando com tudo que vem pela frente. Após a situação estar controlada começa o ano letivo em Hogwarts. O “colégio” abrigará neste ano a edição do torneio Tribuxo no qual o Cálice de Fogo do titulo escolherá um participante de cada escola (são três), com idade acima de 17 anos. Inexplicavelmente o nome de Potter aparece e o mesmo se vê submetido a entrar em uma competição dura que pode inclusive levá-lo a morte, contando para isso somente com seus amigos e o novo professor de magia Alastor Olho-Tonto Moody (Brendan Gleeson, perfeito). A partir desse enredo principal desenvolve-se um trilller de suspense muito bem ambientado e repleto de revelações e reviravoltas no decorrer da trama. Muitas tramas paralelas que constam no livro não foram desenvolvidas, mas o principal está lá, envolvendo a Potter e os personagens habituais. O bruxinho se vê na crise e descobertas da adolescência, nos primeiros desejos de namoro, primeiras decepções, brigas com amigos e até mesmo a morte de um dos seus. Neste novo filme da série, tragédia pouca é bobagem, como diria o diretor Alvo Dumbledore (Michael Gambon) perto do final: “Muitas tragédias ainda estão por fim...”, o que só atesta o crescimento da série, tornando-se pela primeira vez um filme de verdade, realmente muito bom. Fãs de Hogwarts.....corram ao cinema....(menos os de estômago fraco)....

U2 - Live in Boston (DVD)

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Obs: Texto escrito à epoca do lançamento ainda em VHS no "Cultura Direta" 26, como tava revendo em DVD, resolvi colocar...

Quando você gosta muito de uma determinada banda, você mantém com ela mesmo que inconscientemente uma relação de confiança, uma espécie de relação a dois, onde você acredita no que ouve, julgando ser o fã mais importante, etc. e tal. Quando essa banda comete um deslize, lhe decepciona de alguma forma, você para de acreditar, para de crer na verdade do sentimento das canções.

Eis que então, quando você pensa que está tudo acabado, que não há mais retorno, a banda chega de mansinho, novamente com um bom disco, querendo lhe reconquistar. Isso aconteceu com o U2, depois de se aventurar pela eletrônica, de desvirtualizar sua música, de ter um ataque de megalomania, de perder a credibilidade, a banda voltou com um bom disco em 2000, o premiado “All That You Can´t Leave Behind”, retornando a tocar em ginásios, para públicos menores, reencontrando o poder do rock e das suas letras.

O resultado disso, é o vídeo com o show que a banda fez em Boston, disponível nas lojas do ramo, "Live In Boston". O show é muito bom, traz as melhores músicas do último disco, como "Elevation", "Walk On" e "Beatiful Day" , além de hinos como "With or Without You", "Where the Streets Have no Name" e "Sunday Bloody Sunday". Os pontos altos do show, são "Kite", uma das musicas mais bonitas já feitas pelo U2, "Bad", onde a banda ataca com o seu lado político como nos bons tempos e "In a Little While", uma homenagem mais do que justa ao grande Joey Ramone.

O U2 reaparece novamente com todo gás, apostando mais do que nunca nas suas canções, tocando novamente feito seres humanos e não como os Ets de Pop, e principalmente fazendo despertar os fãs que estavam há muito adormecidos, fazendo jus ao seu lugar no topo do rock mundial, como a grande banda que sempre foi, acima de qualquer suspeita. A tempo, pode-se acreditar novamente no U2, pois como dizia outro grande poeta : “Acima de tudo, existem canções”...

O Expresso Polar (The Polar Express)

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Andei revendo essa semana esse filme do diretor Robert Zemeckis ("Forrest Gump" e a trilogia "De Volta para o Futuro", entre outros) e contando com Tom Hanks (mesmo que de uma forma diferente) no papel principal. A história natalina não tem nada assim de novo ou de especial. Já vimos outras vezes um menino desiludido com o natal que passa a reacreditar depois de alguns acontecimentos. Nesse caso, um garoto pega um trem para o Pólo Norte, na véspera de Natal junto com outras crianças e isso o leva a crer novamente em coisas que pensava que tinha perdido. No entanto, o que chama a atenção no filme e o porquê de ser visto, é que se trata de uma revolução dentro da maneira de fazer cinema. Zemeckis utiliza-se de uma técnica chamada "perfomance capture" para dividir Hanks em diversos papéis. Essa técnica ainda nova e não muito utilizada (por exemplo, foi por essa técnica que Peter Jackson conseguiu levar às telas o personagem Gollum da forma brilhante que fez em "Senhor dos Anéis"), faz a diferença. Além disso, os cenários criados digitalmente são fantásticos, proporcionando imagens que realmente são belas, mesmo não sendo reais. Mas afinal, não é o cinema uma eterna fantasia? Cenas fantásticas como o percurso de ida do trem, a saída do Papai Noel e a recepção dos gnomos ou duendes (??), entre outras, fazem valer cada centavo investido no filme. E depois de tudo isso, não custa nada voltarmos um pouco no tempo e curtir a nostalgia de ser criança de novo. Recuperarmos um pouco daquela inocência perdida, nem que seja por alguns minutos. E como diz o condutor, um dos personagens de Hanks no decorrer do filme: "Sobre os trens, não importa saber o seu destino, importa saber se queremos embarcar..."

Assino embaixo.

"Daydream Nation" - Sonic Youth - 1987

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Quando se fala de Sonic Youth, as primeiras palavras que vem a cabeça são microfonia e distorção. Entretanto, essa banda vai muito além do que isso.

O que andou rolando por aqui essa semana, é a obra prima, o verdadeiro clássico do Sonic Youth, falamos de “Daydream Nation” álbum de 1987. Esse disco deu uma nova direção as bandas independentes, em um momento onde o mundo se dividia entre o heavy metal, o hard – rock farofa e a decadência das bandas dos anos 80, mostrando que era possível fazer boa musica sem precisar de instrumentos de ultima geração, estúdios poderosos, grandes gravadoras ou principalmente tocar na rádio.

Mostrou que bastavam boas idéias e uma grande vontade de fazer somente o que se tivesse a fim, unindo guitarras altamente distorcidas escondendo belas melodias, a simbiose perfeita entre noise e harmonia, poesia marginal inspirada principalmente no Velvet Underground e musicas sem formas pré – definidas, com refrões repetidos.

O disco abre com “Teenage Riot”, musica que se tornou hino de uma geração, que falava sobre a apatia da juventude, tem “Candle” e “Total Trash”, verdadeiras preciosidades do rock alternativo, tem a cacetada “Trilogy” que encerra o disco, tem Kim Gordon maravilhosa em “The Sprawl”, entre outras. Não é a toa que Kurt Cobain, Silverchair, Smashing Pumpkis, Pixies, para citar somente alguns, idolatram tanto esse disco.

É certo que o Sonic Youth fez outros belos discos como “Dirty”, “Goo” e “Evol”, mas é em “Daydream Nation” que a banda consegue fazer da sua música algo para mudar uma geração em seu comportamento. Discoteca muito mais do que básica....

Rolling Stones - Exile on Main Street - 1972

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Essa semana rolou por aqui um clássico mais que absoluto. Estamos falando de “Exile on Main Street” do Rolling Stones. Esse disco duplo (que em CD , ficou só um) de 1972 é o redentor da carreira da banda e delineou todo o seu futuro. Apesar de nessa época já serem famosos, de terem feito musicas do quilate de “Simpathy For The Devil” e “Street Fighiting Man”, de já terem gravado um outro discaço , “Beggars Banquet” (O Banquete dos Mendigos) de 1966, os Stones ainda não haviam se livrado da incomoda pressão de serem sempre comparados aos Beatles.

Então em 1972, se trancaram por mais de oito meses (o “Exile” do título), e fizeram um disco calcado no puro rock n’ roll, mas bebendo influências como nunca do Blues e do Soul americano. Contando com a ajuda de um grande naipe de metais e com Mr. Nick Hopkins no piano, dando um vigor a mais a dupla de guitarras de Keith Richards e Mick Taylor, a cozinha sempre competente de Sir Charles Watts e Bill Wyman e a Mick Jagger no auge da forma, eles deram show.

Compuseram rockões como “Rocks Off” que abre o disco, “Happy” e “All Down the Line”, lembraram o Boogie Hoggie dos anos 50 em “Rip This Joint” e “Shake Your Hips”, emocionaram com o Soul de “Shine a Light”, “Soul Survivor” e “Loving Cup”, homenagearam o Missisipi em “Ventilador Blues” e acima de tudo fizeram clássicos como “Tumbling Dice”, “Sweet Virginia”, “Sweet Black Angel” e “Torn and Frayed”.

Discaço (com um trabalho visual impressionante) acima de qualquer suspeita, pra entender o porque dos Stones estarem juntos ate hoje e a sua importância dentro da musica mundial. Se você acha que a banda não passa de Jagger e Richards, em cima de um palco velhões cantando “Satisfaction”, mude urgentemente seus conceitos e perceba que isso que é ROCK N’ ROLL, sincero e belo acima de tudo.

"Acabou Chorare" - Novos Baianos - 1972

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O que dizer de uma banda que foi fundamental tanto para a nova mpb quanto para o rock nacional, que além da musica proporcionou uma lição de saber viver, que na sua comunidade deu significado como nunca a palavra liberdade, que criou um novo jeito de ser. Estamos falando dos Novos Baianos, de Moraes Moreira, Pepeu Gomes, Baby Consuelo, Paulinho Boca De cantor, Dadi, Jorginho Gomes e o poeta Galvão, entre outros, foram responsáveis pelo maior caso de amor da música com atitude no cenário nacional.

Depois de ter lancado um primeiro disco unindo o rock setentista com influências de mpb, “E Ferro na Boneca” de 1971, a banda lançou a obra prima “Acabou Chorare” em 1972, com influências do samba, sem esquecer o bom e velho rock, que foi apenas atenuado. Abraçaram o samba devido a uma visita de João Gilberto a sua comunidade e fizeram com tamanha maestria que até o próprio João aprovou. Nessa comunidade moravam todos juntos em um sitio, cada um tinha sua própria função, que ia de fazer o almoço a lavar as camisas do time de futebol, ensaiando, gravando, pensando, vivendo em completa harmonia como nos sonhos de um hippie ou beatnik qualquer.

O disco começa com "Brasil Pandeiro', samba antigo de Assis Valente recriado pelos baianos, passa por "Preta Pretinha" e a música titulo na parte Moraes Moreira do disco, avança pela beleza melódica de Baby em "A Menina Dança" (regravada pela Marisa Monte), pela incrível maestria de Paulinho Boca De Cantor em "Mistério do Planeta" e "Swing de Campo Grande", pelo show de Dadi e Jorge Gomes na instrumental "Um Bilhete para Didi", pela sacanagem geral do samba "Besta é Tu" , alem das competentes guitarras de Pepeu Gomes em "Tinindo Trincando".

Depois desse, ainda lançaram outros dois bons discos “Novos Baianos F.C” de 1973 e “Novos Baianos (Alunte)” de 1974, antes de seguirem seus próprios caminhos, deixando pra trás uma imagem de companheirismo e criatividade como nunca se viu por aqui. Como diz Galvão em das músicas da banda “...Era uma vez uma tribo brincando de paz e amor, enquanto o homem mandava à lua o disco voador, nem todos eram baianos, mas todos novos baianos, gerando ser, unindo arte e viver...”

Discaço.

Mandrake - A Biblia e a Bengala - Rubem Fonseca

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Falar algo sobre o escritor Rubem Fonseca, autor de livros como “Agosto”, “Lúcia McCartney” e “A Grande Arte” é sempre uma tarefa prazerosa. O mineiro, advogado, nascido em 1925 é um dos poucos grandes nomes da nossa literatura ainda vivos e com certeza um dos maiores contistas de todas as épocas.

Chega as livrarias nesse mês, sua nova incursão “Mandrake – A Bíblia e A Bengala”, lançado pela Companhia das Letras com 196 páginas. O autor lança mais uma aventura do seu histórico personagem, o detetive-advogado criminalista Mandrake (que vai ganhar uma série na HBO, com produção da Conspiração Filmes e tendo Marcos Palmeira no papel principal). O gênero policial que nunca foi de grande sucesso no Brasil, vem sendo explorado pela Companhia das Letras, com a publicação de títulos de novos autores, ajudando assim a esse gênero sair um pouco da marginalidade no nosso país e ganhar os leitores.

Neste novo episódio da vida de Mandrake, o mesmo continua sua boa vida, com mulheres, bebidas, charutos, com o mesmo sócio e ainda perturbando o delegado Raul. Entrelaçam-se duas histórias, na primeira precisa descobrir sobre o roubo de uma bíblia antiga e raríssima, na segunda Mandrake é acusado de assassinar um marido de uma de suas inúmeras amantes com uma bengala. Podemos atestar que Rubem Fonseca se repete a cada hora, uma espécie de Ramones da literatura policial brasileira, mas assim como a banda punk, o autor sempre diverte.

Suas marcas ainda estão lá, referências literárias diversas, os anões, a violência, a seca ironia, as mulheres, os personagens cultos e todas as artimanhas que sempre utilizou, mas ainda assim é bom. Pode soar datado, mofado, mas é bom. Evidente que é uma obra menor, menos cheia de criatividade e ímpeto, no entanto ainda possui charme suficiente para conquistar o leitor. Rubem Fonseca é o tipo de autor que não gosta muito de aparecer, prefere ficar meio que no isolamento do que nos holofotes (o que por si só já ganha pontos) e construiu ao longo da carreira, histórias fantásticas, contos eternos que inundaram a alma de pessoas e mais pessoas, com um universo totalmente surrealista, mas ao mesmo tempo tão cotidiano, influenciando gerações e gerações.

Apesar de ser mais do mesmo sim, um novo livro dele deve ser sempre tratado com festa, sem dúvida alguma.

Metrópolis

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"Metrópolis", é uma animação japonesa de 2001, baseada no clássico da vanguarda e do expressionismo alemão de mesmo nome realizada em 1926 por Fritz Lang. Apesar de não ter visto o original pelo que já vi comentarem, a animação não se trata somente de um "remake" e sim de um novo filme. O longa tem a direção de Rintauro ("Galaxy Express"), baseado nos quadrinhos de Osamu Tezuka, criador de "Astro Boy" e que já foi definido como o "Walt Disney dos mangás", além do roteiro mais que competente do lendário Katsuhiro Otomo, que mudou o mundo da animação com seu "Akira", fundamental até hoje.

Ambientado em um futuro distante, onde a sociedade está formada por duas classes básicas: os humanos ricos que vivem em cima da cidade, e os humanos pobres e robôs que moram embaixo desta. Durante as comemorações de mudança de regime político, chegam do Japão, um detetive e seu sobrinho Keinichi a vim de fazer um investigação sobre um cientista procurado por diversos crimes. Com o desenrolar da trama, percebe-se o envolvimento do mesmo com o Duque Red, que pretende criar um humanóide superior capaz de gerir as suas ações de destruição e extermínio dos pobres e robôs. O nome desse ser especial é Tima.

Com um clima intenso envolvendo no mesmo bolo, religião, ciência, violência, social e amor, o filme vai conquistando e encantando a cada minuto de duração. A cena do assassinato do presidente é uma das melhores de todos os tempos, ao lado do apoteótico final ao som de "I can´t stop loving you" de Don Gibson, interpretada por Ray Charles, simplesmente maravilhoso. O jazz permeia quase todas as cenas e se faz fundamental dentro da concepção do filme. O único senão fica por conta que o monte de extras que vem no DVD duplo estejam em inglês. Merece muito ser assistido.

Mémorias de minhas putas tristes - Gabriel Garcia Marquez

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Hoje falarei sobre um dos mestres da literatura mundial e seu novo livro “Memórias de minhas putas tristes” (nome que gerou controvérsias, mas que foi mantido o título na edição brasileira ainda bem), que já se tornou best-seller em boa parte do mundo. Estamos falando do colombiano ganhador do prêmio Nobel de 1982, Gabriel Garcia Márquez, que não lançava nenhum novo romance há mais de dez anos o último fora “Do amor e outros demônios” de 1994.

Neste intervalo, Garcia Márquez, produziu a primeira parte de sua autobiografia “Viver para Contar”, entre outras coisas. O escritor autor de obras primas como “Cem anos de solidão” (um dos meus livros preferidos até hoje) e “O amor nos tempos do Cólera”, volta com a habitual maestria nesse livro de rápida leitura, tanto pela prosa inteligente, quanto pelo seu próprio tamanho. Todas as habituais facetas estão lá presentes, a fantasia de um tempo que não volta mais, uma passagem pelo retrato de uma outra América do Sul, o sarcasmo indigente contra o comportamento e as autoridades e o maior de todos os seus temas, a solidão.

Narra-se a história de um velho (cujo nome não é revelado) que ao completar seus 90 anos decide dar a si próprio um presente inusitado, uma noite de amor com uma adolescente virgem, sendo que para tanto liga para uma velha amiga, a cafetina Rosa Cabarcas, a fim de que a mesma lhe proporcione o desejo. A partir disso, apesar de só ver a menina de 14 anos em seus primeiros momentos (que ele denomina de Delgadina como em uma canção), o velho se apaixona e passa a contrair pela primeira vez na sua vida, ciúmes, desconfianças, necessidade.

Logo se imagina o mundo do russo Vladimir Nabokov como seu “Lolita” ou de Thomas Mann e “Morte em Veneza”, sendo que a própria orelha do livro já explicita isso. A idéia é essa sim, mas vai um pouco mais além. Não necessariamente o autor visa deixar a relação como força motriz da trama, apesar de ser o fio condutor, Márquez fala sobre solidão, sobre uma vida toda deixada para trás, sobre as imposições do tempo, sobre se aproveitar a vida antes que ela vá escorrendo pelos dedos, sendo isso que torna o livro uma quase fábula de amor perdido no meio de uma existência vã.

“Memórias...” não tem a pretensão de barrar os clássicos do autor e nem se preocupa com isso, somente mostra como em um conto mais alongado, uma história de amor, de necessidade, da vida e suas rotinas e monotonias, construindo um singelo retrato que merece muito ser lido. É sempre gratificante nos depararmos com algo do mestre Gabriel Garcia Márquez, e com seu novo livro isso não é diferente.

Me lembro de uma pequena frase da canção “Tempos Modernos” do Lulu Santos: “...Vamos viver tudo que há pra viver...”. Assino embaixo.

Héroi

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Por incrivel que pareça só ontem fui assistir “Héroi”, filme do premiado diretor Zhang Yimou do belo “O Clã das Adagas Voadoras”. Perdi a chance de ver no cinema mais essa obra prima do cinema chinês, indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro. Um épico como deve ser, com grandes batalhas, dramas, amores e um banho de história, ao contrário de produções hollywoodianas recentes como “Tróia” e “Alexandre”. Ambientada na China de 2.000 anos atrás, quando a mesma era dividida em sete estados que brigavam entre si pelo dominio da região, o diretor insere uma estória de um guerreiro “Sem-Nome”(Jet Li) que chega ao rei (Daoming Chen) que buscava com seu exercito a unificação, após derrotar três dos maiores inimigos do reino, “Céu”(Donnie Yen), “Espada Quebrada”(Tony Leung) e “Neve Voadora”(Maggie Cheung). Contando em flash back, o diretor proporciona um banho de beleza fantástica e sublime, cada história é tratada por uma cor diferente, significando: vermelho (paixão), azul (amor), verde (juventude), branco (verdade) e preto (morte). Com várias reviravoltas na trama e as tradicionais e magistrais cenas de combate, é um filme que deve muito ser visto. Até Quentin Tarantino avalizou o longa e aparece nos extras entrevistando o Jet Li. Filmaço sem sombra de dúvida.

"4" - Los Hermanos - Processo de Dissecação

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Chama-se “4” o tão aguardado novo disco dos Los Hermanos, ainda sobre a batuta do produtor Kassin e elaborado novamente no sitio, longe de tudo e de todos, tudo mais ou menos como o processo dos últimos discos, mas com uma diferença vital, os caras abandonaram de vez o rock. Calma, isso não é ruim, pelo contrário é bom demais. "Bloco do Eu Sozinho” ainda é a obra prima dos caras, mas o som de “4” é extremamente delicioso de ser ouvido, disco para deixar tocando horas e horas no cd player, simplesmente fascinante. “4” é um passo a frente na trajetória musical da banda, novos horizontes se encontram com antigas idéias, produzindo um resultado ímpar. “Dois Barcos” abre o disco com uma melodia cativante, harmonia arrebatadora, lembrando Lô Borges e Milton Nascimento, com uma letra que vai ecoando dizendo “Só eu sei nos mares por onde andei...”, sendo impossível não se emocionar. Depois vem “O Primeiro Andar”, uma baladinha suave que podia estar plenamente em “Ventura”, com aquele andamento que só os Hermanos sabem dar, com uma letrinha esperançosa e ao mesmo tempo nostálgica. “Fez-se mar” chega de mansinho, com sua melodia singela e os vocais erguindo uma montanha de emoções, ecoando vagas lembranças de bossa nova e das canções do inicio dos anos 50...Ah...o amor...e lá vai “Parece que o amor chegou ai...”, fazendo os mais duros corações lembrarem de algo no passado. Chega um quase ritmo latino em “Paquetá”, sem paródias fracas, da vontade de estar tomando uma boa cerveja, vendo um belo por do sol, e exorcizando alguns demônios internos, afinal “Eu zanguei numa cisma eu sei...”. O disco começa a tomar aquela idéia de “cara, isso ta muito bom...”, quando a formatação quebrada de “Os Pássaros” vem dar uma nova cara, com um pouco de “cool jazz” e o tradicional desleixo vem com uma letra que chamar de melancólica é pouca, a cabeça começa a girar mesmo. “Morena” chega com um ritmo um pouco mais animado (mas nem tanto), lembrando Gonzaguinha e jogando a conquista e declarações no ar: “Prefiro assim com você, juntinho sem caber de imaginar...”, podendo até parecer brega, mas em uma canção dos caras, dificilmente algo fica assim. “O Vento” transforma lirismo em nostalgia, melodia em melancolia e vem arrebatadora, reinventando seu estilo dentro da sua própria ousadia, incrível como as passagens vão se alternando devagar, sem pressa, sossegadas, construindo o cenário deprê perfeito. Já sentindo faltas das guitarras chega “Horizonte Distante”, um rock pequeno (sim, eles ainda existem!!) em andamento menor, com direito a até um solo de guitarra.

Chega a vez de talvez a grande canção desse disco, "Condicional” com uma letra que chega a dar vontade de sair vomitando impropérios ao mundo, única canção do disco capaz de levantar uma provável alegria (no ritmo, não me entendam mal), com um arranjo canalha aparecendo pelo meio da melodia. E pode deixar que lá vem: “Quis nunca te perder....”, haja coração, haja coração. “Sapato novo” entra diminuindo o clima totalmente, com efeitos de teclado e acordes de violão, letra emocionante, uma das melhores do disco pela simplicidade e delicadeza. “Eu só levo a saudade....”, pode deixar comigo, digo eu. O final do disco vem chegando assim com “Pois é” do Marcelo Camelo, também em andamento menor, com guitarras ecoando vez ou outra, dando uma dramaticidade cinematográfica para a letra. Canção que ficaria muito bem num filme, em uma cena com um cara seguindo sozinho em uma estrada deixando o passado e seus amores para trás. A última música “É de lágrima” chega tranqüila, finalizando o clima do disco, até cair em distorções no final para voltar ao seu andamento e sair de cena, mansinha, mansinha. Os Hermanos produziram um grande álbum sem duvida, se reinventado o que é primordial e compondo canções com uma absurda carga de emoção. “4” não tem uma canção acima das demais e nem no nível de “Retrato pra Ia Ia”, “Sentimental”, ou “Vencedor”, mas na boa, acho que essa era exatamente a idéia dos caras. Disco extremante indicado para quem acredita no amor, para quem não acredita, para quem já amou alguém, para quem não amou ninguém, ou para simplesmente quem gosta de boa música, feita com criatividade e qualidade. É deixar rolar as canções, pegar uma boa bebida e começar a pensar na vida...

A Fantástica Fábrica de Chocolate

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Passando nos cinemas locais “A Fantástica Fábrica de Chocolate”, no “remake” (gosto mais de “versão”) do diretor Tim Burton é uma grande, mas grande pedida mesmo, apesar das cópias serem dubladas. Primeiro devo dizer que não li o livro (apesar de todo mundo agora dizer que leu....), mas gostava bastante da versão original do filme de 1971 e que tinha Gene Wilder como o magnata estranho Willy Wonka. Apesar de poder parecer heresia o que vou dizer, Tim Burton fez um filme muito, mas muito melhor mesmo que seu antecessor. A história que todo mundo conhece é do excêntrico dono da maior fábrica de chocolates e doces do mundo, Willy Wonka (vivido brilhantemente por Johnny Deep) que depois de muito tempo sem abrir as portas de sua fábrica, resolve fazer um concurso para eleger seu herdeiro(sendo que isso é surpresa para todos), espalhando cinco convites dourados pelos seus chocolates ao redor do mundo a ser encontrado por crianças. Os convites são sendo achados e o que parece improvável acontece, o pequeno e pobre Charlie (Freddie Highmore de “Em Busca da Terra do Nunca”), encontra um e parte em sua jornada acompanhado de seu avô e outras quatro crianças e seus responsáveis. Ao ir mostrando a fábrica, Willy Wonka se diverte e expõe os candidatos a uma viagem onde os defeitos são responsáveis pela queda em uma disputa sombria e repleta de humor negro. Tim Burton não fez uma refilmagem, ele reinventou um clássico dando nova força e constituindo um grande filme, sendo impossível ficar indiferente. Me diverti bastante na sessão com as piadas sutis, as referências pop, os Lupas-Lupas (que são a cara do Zacarias dos Trapalhões!!!), as cores e cenários que Burton criou para ambientar essa história fantástica com seu toque todo especial. Imperdível!!!

O Clã das Adagas Voadoras

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Assisti em DVD, pois perdi no cinema o filme chinês “O Clã das Adagas Voadoras” do diretor Zhang Yimou, o mesmo de “Herói”. Fiquei bastante impressionado com o que vi. O cinema asiático realmente é um sopro de criatividade e de beleza nos dias de hoje, ganhando a cada nova produção novos e ardorosos fãs, como este humilde escriba. Ambientando no ano de 859, onde o Império Chinês passa por terríveis conflitos internos com os rebeldes, a dinastia Tang que por anos reinou absoluta, hoje enfrenta sérios problemas com corrupção e a sua própria incapacidade de governar, além do seu principal rival o clã que dá nome ao longa. Nesse contexto, os capitães Leo (Andy Lau) e Jin (Takeshi Kaneshiro) são designados para encontrar e destruir o temido clã, elaborando um plano para tanto e esbarrando no caminho com uma das guerreiras do lado oposto, a bela Mei (a sempre competente Zhang Ziyi). A partir disso o mestre Zhang Yimou desenvolve um filme belo com uma trama cheia de reviravoltas, surpreendente. O espectador é preso à brincadeira de cores e cenários que o diretor executa, com a bela fotografia, montagem competente e claro as cenas de lutas fascinantes. Um filme realmente muito bom que demonstra mais uma vez o quanto o cinema asiático é espetacular. Assistam!!

O Castelo Animado

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Estreou no último final de semana por aqui “O Castelo Animado (Howl´s Moving Castle)”, o novo filme do aclamado diretor japonês Hayao Miyazaki (Do premiado “A Viagem de Chihiro”). O diretor que alcançou sucesso internacional com o Oscar, nos entrega mais uma obra prima, que se não é melhor que “A viagem...”, fica no máximo apenas um pequeno degrau abaixo. Nessa fantástica história animada onde convivem magos, bruxas, castelos andantes e personagens fantasiosos, conta-se a vida de Sophie, uma jovem introspectiva de 18 anos que trabalha na chapelaria de seu velho pai e que quando uma guerra está prestes a despertar conhece um mago, que indiretamente influi na maldição que a bruxa das terras abandonadas lhe joga, fazendo-a se tornar uma senhora bastante velha. A partir desse momento o diretor vai envolvendo o espectador com o desenvolvimento da trama e a solução de seus problemas, apresentando seus personagens brilhantes como o Castelo Andante, o Demônio do fogo Cácifer, o Cabeça de Nabo, Marko o responsável pelo castelo, o Mago Hauru e outros tantos que são despejados de forma bem interessante. Neste novo filme de Hayao a preocupação com os detalhes continua incisiva, é de impressionar a quantidade de pequenos objetos, movimentações, detalhes no decorrer do longa. atuais. Ainda comparando com sua obra de maior sucesso, talvez “O Castelo...” não tenha a mesma carga de emoção de seu filme anterior, mas com certeza é belo e vale muito a pena ser visto. Apesar de ser suspeito pra falar pois sempre gosto de viagens fantasiosas, o filme nos faz dar uma parada e sair um pouco de tanta realidade imbecil que nos cerca nos dias de hoje.

Team America - World Police

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Um dos lançamentos mais comentados do ano passado foi o filme “Team America – World Police” (Team America – Detonando o Mundo), que infelizmente passou batido pelos nossos cinemas (só pra variar um pouco!!), mas que agora foi lançado em DVD e merece ser muito visto, essa que na nossa opinião foi a melhor comédia do ano passado. Coloco abaixo alguns motivos para não deixar de ver....vamos lá: 1-O filme foi criado e dirigido pelos mesmos criadores da série “South Park”, Trey Parker e Matt Stone; 2-Os atores são marionetes com o fio aparecendo a todo momento; 3-Uma aventura que não deve nada aos filmes de ação de Jerry Bruckheimer com explosões e tudo mais, sendo que nas horas vagas ainda se transforma em musical; 4-O humor do filme é sensacional, debochado, satírico, negro e sarcástico; 5-Sacaneiam todos os clichês cinematográficos existentes; 6-O herói do filme, Gary, entrando como Jedi na última cena; 7-As “panteras” do filme; 8-Nas aventuras da “World Police”, o mundo todo é detonado, inclusive monumentos históricos; 9-A detonada em alguns atores que às vezes se tornam chatos pelo seu lado político como Alec Baldwin, Sean Penn, Tim Robbins, entre outros; 10-A “participação” de Michael Moore; 11-A detonada em “Pearl Harbor” o filme, muito, muito maldosa; 12-As cenas de luta com ecos de “Matrix”, “O Tigre e o Dragão” e “Kill Bill”; 13-A cena de sexo explícito entre duas marionetes, simplesmente impagável; 14-A trilha sonora do filme, principalmente “América Fuck Yeah”, a musica titulo; 15-A fotografia de Bill Pope de “Matrix” e “Homem Aranha 2”, dando luz ao longa.... E por ai vai....vale muito a pena assistir....muito bom mesmo!!!

Quarteto Fantástico

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Mais uma adaptação dos Gibis para os cinemas estreou por aqui, se trata de "Quarteto Fantástico", os primeiros heróis do Universo Marvel finalmente chegaram com força as telas de todo o mundo. Em 1994 já tinha sido feito um longa sobre a história do quarteto mas que nunca chegou as telas, missão que agora é complementada com louvor.

Sou meio suspeito para falar de gibis, afinal de contas sou fã confesso dos mesmos, mas essa adaptação ficou muito bem realizada, um pequeno nível abaixo de filmes como "Homem-Aranha" e Batman Begins", o que não tira em nenhum momento o brilho do longa.

Contando a história de Reed Richards (Ioan Gruffud), Ben Grimm( Michael Chiklis), Susan Storm (Jessica Alba, simplesmente linda, soberba, maravilhosa....) e Jonnhy Storm (Chris Evans), e o acidente que os transformou em Sr. Fantástico, O Coisa, Mulher Invisível e o Tocha Humana. O único senão do filme é que a montagem inicial e a apresentação dos personagens é muito rápida, dificultando um pouco o entendimento para aqueles que não conhecem a história.

Tudo começa quando o falido Reed Richards, procura seu amigo de universidade e dono de um império Victor Von Doom para financiar uma missão sua em busca de alternativas para mudanças de DNA. Apesar da briga que envolve os dois, a missão acontece e sofre um desastre, deixando seus tripulantes completamente alterados e falindo as empresas de Von Doom. Aos poucos, os integrantes vão percebendo suas mudanças, inclusive Von Doom que se torna o Dr. Destino e busca a todo custo vingança contra os fantásticos e as pessoas que lhe tiraram o poder da empresa.

Com boas tramas paralelas como a transformação de Ben Grimm em O Coisa e sua rejeição pelo mundo e pela própria mulher (uma analogia de como quem é diferente é rejeitado), ou o relacionamento de Reed e Sue, o filme se desenvolve de maneira correta, deixando os fãs do Quarteto bastante satisfeitos. Vale muito a pena ser visto esse filme, apesar dele e claro pela Jessica Alba.

O Opositor

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Hoje invadiremos a nobre arte da palavra escrita, falaremos um pouco de literatura, mais precisamente sobre o novo livro do gaúcho Luís Fernando Veríssimo. Desta vez, o escritor deixa um pouco de lado suas crônicas comportamentais para construir um romance estranho, cheio de suspense e algumas nuances, mas não menos engraçado e envolvente, passado em Manaus, chamado "O Opositor".

Quarto volume da coleção "Cinco Dedos de Prosa" da Editora Objetiva, em que cinco autores se revezaram em histórias sobre os dedos na mão, entre eles Carlos Heitor Cony, Fernanda Young, Manoel Carlos e Mário Prata. Para Veríssimo, ficou a tarefa de escrever uma história em que o dedo polegar, tivesse função primordial, o que fez com a habitual maestria.

Ambientado em Manaus, em meio ao calor escaldante, seitas religiosas, organizações mundiais, sucos de frutas típicas, mulheres ardentes, personagens surreais, o repórter narrador do livro vai ao encontro de escrever sobre ervas e plantas da região, quando percebe que sua passagem ali pode ir muito mais distante.

Em um bar conhece um mendigo ou simplesmente um suposto louco desvairado, um polonês chamado Joséf Teodor, que engendrado com muita cachaça vai liberando casos extraordinários e fantásticos, que podem ser mentiras absurdas ou não. E é através dela que o narrador se vê refém e dentro de uma suposta trama internacional.

Com o humor ácido que lhe fez famoso e com sua prosa rápida, Luís Fernando Veríssimo brinca bastante com vários temas nesse livro, satisfazendo o leitor. Suas crônicas continuam sendo seu grande campo de observação, onde reina absoluto, mas nada que nos impeça de ler suas aventuras em outro campo e nos deliciar com suas histórias fantásticas.

O retorno mais que sombrio do Homem Morcego

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Acho que já falei isso aqui antes em janeiro no texto que colocava a ansiedade e a esperança sobre a chegada de um novo filme do Batman nos cinemas e que quando moleque, tipo 7,8 anos, meus grandes heróis eram o Homem Morcego e o Capitão América (antes de Luke Skywalker, Homem Aranha e milhões de outros tantos), se este último me fascinava acho que pelos ideais corretos, o Batman ia na contramão, com seu lado sombrio, seu desejo de vingança e sua eterna briga pessoal.

Tinha uma porrada de gibis e até hoje guardo com todo o zelo, "A Morte de Robin", "O Cavaleiro das Trevas" e "Batman: Ano Um", entre aquelas que decidi ficar depois de velho. No cinema os filmes sobre o personagem meio que decepcionaram, apesar Tim Burton ter dirigido os dois primeiros e conseguido bons momentos, como o Coringa de Jack Nicholson e a Mulher Gato de Michelle Pfeifer, algumas mudanças na trama e a condução com um Batman não tão sombrio quanto o que estava acostumado, meio que decepcionou. Depois que o "fazedor de sucessos" Joel Schumacher pegou a franquia, aí foi que o negócio desandou mesmo, ficando insuportável ver a desfiguração do personagem, fazendo hibernar tudo em volta pelos idos de 1997.

Eis que a DC Comics resolveu reviver o personagem, principalmente devido ao sucesso da rival Marvel e suas excelentes adaptações de Homem Aranha e X-Men. Entre seus maiores protagonistas estavam dois ícones da cultura pop, Batman e Superman ("Superman Returns" chega as telas no ano que vem), sendo que o último já tinha uma seqüência de filmes muito bons, enquanto o primeiro não podia ter seu desastre continuado no cinema. A DC resolveu então investir nessa guerra contra a Marvel, começando com "Constantine", mas é através de "Batman Begins" que estreou nos cinemas de todo o país na ultima sexta é que ela entra com tudo na batalha.

Sobre o comando do diretor Crhistopher Nolan do excelente "Amnésia" e no papel de Bruce Wayne pela primeira vez um grande ator, como Cristian Bale dos excelentes desempenhos em "Psicopata Americano" e "Operário", o novo filme do Homem Morcego não decepciona. Calcado na minissérie "Batman: Ano Um" do mestre Frank Miller, contando a história desde o início e principalmente configurando a trama nos motivos que levam um bilionário sair pela cidade vestido de morcego e enfrentando bandidos, atraído pelo duo vingança e justiça, se constitui um grande filme, tanto na parte técnica quanto no desempenho convincente da maioria dos atores do elenco.

Com um elenco estelar e devidamente à vontade, com nomes como Michael Caine (Mordomo Alfred), Gary Oldman (Tenente Gordon) Liam Neelson (Henri Ducard), Ken Watanabe (Rah´s Al Gui), Morgan Freeman (Fox), Rutger Hauer (Earle), Katie Holmes (Rachel Dawson), entre outros, finalmente se construiu um filme a altura e importância do personagem. Vale muito a pena assistir.

Volver neles!!!

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Hoje falarei sobre a banda Volver de Recife e o excelente disco de estréia dos caras, chamado "Canções perdidas num canto qualquer", lançado pela Senhor F. Formada há dois anos por Diogénes (Guitarra), Fernando (Baixo), Doug (Bateria) e Bruno Souto (guitarra e vocal), a banda faz um rock vigoroso, para cima, com letras inteligentes, sem muita pretensão mas de uma energia arrebatadora.

Grata surpresa para mim, que não conhecia antes de Abril Pro Rock deste ano. Vi o show, comprei o disco e me surpreendi com a qualidade do som dos caras. Todo o disco é bom e podia facilmente tocar na rádio e na mtv se as mesmas não tivessem um sério problema em tocar música de qualidade (na maioria das vezes).

Canções como "Você que pediu" que abre o disco, candidatissima a hit em qualquer lugar, "Mister Bola de Cristal" e os destaques do disco "Lucy" e "Máquina do Tempo" (essa é emocionante), são de ouvir, ouvir e nunca cansar. Mais uma grande banda a surgir nesse Brasil tão repleto de coisas boas, mas que ficam meio que subjugadas ao fatídico termo "alternativo". Procurem escutar. Tenho certeza que vão gostar.

Blog dos caras: http://www.bandavolver.blogspot.com/

Bem bacana.

"The Minus 5 - Down The Wilco" - The Minus 5 - 2003

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Já tinha ouvido falar de Minus Five, inclusive muito bem, mas ainda não tinha escutado nada. Sabia que era a banda do Scott McCaughey músico de apoio do R.E.M desde a turnê do "Monster" e que o Peter Buck guitarrista da banda participava dos seus discos nesse projeto paralelo.

Eis que em uma troca de discos com o Elder do Suzana Flag (envolvendo o "In It For Money" do Supergrass) o terceiro disco chamado "Down the Wilco" de 2003 caiu nas minhas mãos, sendo que para minha grata surpresa ainda o disco foi feito junto com o Wilco, uma das minhas bandas americanas preferidas nos últimos 10 anos, além do Ken Stringfellow do The Posies também fazer parte do grupo. E que discaço é esse.

Scott tem uma voz muito particular e aliada aos instrumentos de Jeff Tweddy do Wilco (um mini gênio) e Peter Buck, o resultado do álbum é simplesmente fantástico. Um delicioso pop retrô com influências das bandas dos anos 60, The Beatles, The Byrds e porque não um pouco de R.E.M e Wilco. Fazia muito tempo que não me apaixonava tanto por um disco com essa intensidade, dessa maneira. O som da banda serve para qualquer hora do dia, qualquer momento, melodias saltam aos ouvidos, pianos encenam o palco para os arranjos cativarem os ouvidos mais incautos.

Dividido em três partes ou três "capítulos", as letras contam uma forma de história entre elas, falando de coisas simples, com um humor bem peculiar aliado a uma sensação de nostalgia que embate no ar a todo momento. Impossível ficar indiferente a canções como: "Days of Wine and Boyze" que abre o disco, a beatle "I´m not Bitter", o momento Byrds em "Where Will You Go? (com um arranjo indefectível de Buck), a super e bela pérola pop "Retrieval of You" ou a singela "Daggers Draw".

Não paro de escutar o disco, sei lá, simplesmente não consigo, portanto roubem, enganem, mintam, cometam o crime que for mas não deixem de escutar esse álbum, a beleza das canções e o sorriso no rosto ao ouvi-las vale qualquer esforço. Simplesmente genial. Ou soberbo. Ou qualquer outro adjetivo que não consigo me lembrar agora é que expresse algo fantástico, sublime. É isso.

Edukators

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Há muito tempo atrás haviam acaloradas discussões sobre os males do capitalismo, sobre a luta de classes, distribuição de renda, o capital como vilão para todos os males da humanidade e coisas do tipo, vindo da doutrina esquerdista, de revoluções marxistas e de movimentos radicais. Ok, não faz tanto tempo assim, e até hoje ainda ouvimos ecos pelos cantos do mundo. Acontece que tanta coisa mudou em tão pouco tempo que parece que isso já tem milhares de anos, anos de guerra fria, de URSS, de socialismo radical, do Muro de Berlim.

Entrando nesse clima, surpreendeu-me muito o filme alemão "The Edukators" do diretor Hans Wein Gartner, pela contexto em que é inserido e da forma que determinados temas são absorvidos e demonstrados. Situado na Berlim atual, dois amigos Jan (Daniel Brul do excelente "Adeus Lênin") e Peter (Stipe Erceg) se auto denominam "Os Educadores", invadindo mansões de milionários, remexendo os móveis, bagunçando os objetos, mas sem roubar nada, apenas deixando mensagens como: "Seus dias de fortuna estão contados", seguindo sua própria revolução e sua concepção de "luta" contra o "sistema capitalista".

Em determinada parte do filme entra em ação Jule (Julia Lentsch) uma garota bonita, singela, namorada de Peter que se junta aos Educadores e desenvolve um triângulo amoroso na trama com Jan, que na verdade é o que menos vale no filme (que acima de tudo pode-se chamar de "romance"). Quando as coisas passam do limite e eles são obrigados a seqüestrar um de seus alvos, as relações descambam, verdades são corrompidas, mentiras se tornam habituais, ideologias são ratificadas e o mundo toma uma proporção infinitamente superior ao que pode ser.

Durante o longa são jogadas teorias e ideais pelos quatro cantos, em uma mesma mesa pode-se ter uma discussão de todos os lados dessa moeda, no entanto sem ter verdades absolutas, ou razões confirmadas. Esse é o grande mérito do filme. Apoiado no excelente desempenho do trio de protagonistas com atuações mais do que convincentes, entramos em mundo que parecia meio perdido e até analisamos os nossos ideais de outrora e a forma com que vivemos hoje em dia. Nos identificamos com argumentos de ambos os lados e acabamos por pensar um pouco, só isso já valeria a pena para ver o filme, além do fato de ser excelente.